// Nadie se acuerda de ellos […] // Ni nosotros […] – CONTRAPESO

El día de ayer se presentó el llamado performance

// Nadie se acuerda de ellos […]

// Ni nosotros […],

de la asociación teatral Contrapeso, en su espacio Foro Eco; como parte de la MET 2017, Michoacán. Bajo la coordinación de Roberto Briceño, José Ramón Segurajauregui y Juan Velasco; y la participación de Sheyla Rodríguez, Ixchel Muñoz, Ricardo Cruz, Jesús Suárez, Rodrigo Béjar, Brenda Tinoco, Itzel E. Ponce y Naír Leana.

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Recuperado del programa de mano de la MET 2017

Me es muy complicado hablar de esta obra porque, con toda la sinceridad que esta redacción me requiere, no entendí buena parte de ésta. Entiendo que la intención era hacer un collage de textos de Kantor, Müller y Grotowski y de reflexiones del colectivo, que organizados espacial y corporalmente construyesen un sentido poético y que el sentido literal no era una meta del trabajo mismo, motivo por el cual se enuncia como performance (ya llegaré a ese punto); sin embargo, pese a que creativamente se acepte que no es prioritario, debe reconocerse que es fundamental que el público quiera y necesite seguir escuchando para que la función escénica suceda, y este tiempo que se toma la obra para tomar sentido va en detrimento de la atención que se le presta.

Los distintos cuadros con los que nos recibieron, desde la presentación turbulenta y vertiginosa de los distintos personajes, o mejor dicho, de las distintas corporalidades (pues la obra no se da tiempo de presentarles), con la guitarra eléctrica sampleando y las imágenes proyectadas de soldados marchando, hasta el cuadro final en la que se presenta una suerte de manifiesto de resistencia al ritmo de una pieza musical jovial y alegre, son sumamente interesantes en términos teóricos y conceptuales en particular, pero no como un todo. Cada cuadro es una pequeña reflexión del colectivo que no logra conectar con la escena de la que proviene ni con la que le sigue; vemos una táctica de collage/montaje que trata de hacernos colisionar con una realidad, pero que no resuelve la pregunta que se hizo Harun Farocki, en 1969, en su pieza Fuego Inextinguible: ¿Cómo puedo mostrarles la realidad sin que prefieran cerrar los ojos a ella?

Con una iluminación que en veces era oscura y en veces era estridente, de la cual no podría decir que fuese un error, dado que acompañaba los cuadros de manera eficiente, pero que por sus contrastes resultaba incómoda, la pieza en términos textuales era un conjunto de declaraciones dirigidas al espectador que esperó expectante, y esa falta de dialogicidad si ya no en la escena, al menos con el público, hace poco efectivo el formato performático que decidieron tomar.

De acuerdo a Fischer-Lichte (2004), dos de las libertades que una realización escénica de este tipo tiene respecto al teatro es que borra de principio la distancia entre creador y espectador, y pone la materialidad de la existencia por encima del acuerdo ficcional.

Y esta obra no se arriesga a realizar ninguno de ambos principios; así, una escena verdaderamente disfrutable en términos plásticos como el discurso sobre la naturaleza muerta del teatro (Un texto de Kantor), mientras que los cuerpos se confrontan agresivamente bajo la premisa de experimentar “la complejidad de formas que asimila el fenómeno del desastre, de la post-catástrofe” (Larios 2010, 6), no llega a sus límites posibles pues la materialidad de los cuerpos es protegida por lxs mismxs actores y actrices. El guiño de atacar al público en su espacio personal, se percibe como fuera de lugar pues ni se continúa ni se explora a plenitud. El tono postapocalíptico que rige a la obra se queda como el fondo tras el que suceden las cosas y no el contexto desde el que surge la acción.

Del mismo modo, las corporalidades y energías de lxs performers, se apreciaban sumamente desiguales y bajas; aunque se alcanza a intuir que la desigualdad energética es motivada por la idea de un mundo sin ningún tipo de unión que les conjugue, su variabilidad provoca que la atención que depositamos en ellxs se fugue continuamente cuando se cambia la batuta. No se percibe una coherencia energética, ni un ritmo común. Caso especial es la presencia de Naír Leana que logra atraernos y amarrarnos a lo que le acontece y a lo que presenta sin que tengamos duda alguna de escucharle.

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Fotografía tomada por Ramsés Figueroa.

Creo, sin embargo, que el contenido reflexivo de la obra es de una gran lucidez y que su presentación en escena va en la dirección correcta: La presentación corporal de un espacio donde nos tomemos al pie de la letra las afirmaciones posmodernas de un mundo que no esté cohesionado por ningún discurso, por ninguna historia, un mundo que renuncie a la identidad gregaria que el ritual construye (Pienso en un mundo post-ritual), en una retirada apresurada del uso de las palabras para construir una cosmología, donde sean los objetos tecnológicos los que nos abran un mundo jamás integrado en un gran plano, sino en pequeñas y esporádicas revelaciones de realidad, es un leit-motiv fascinante que la obra podría explorar mucho más y que podría hacerla un trabajo perturbador y doloroso, que no tomase tanto tiempo en comprenderse.

Un punto a favor, es que este trabajo se renueva constantemente, y que la obra que yo vi durante su temporada en el mismo Foro, ahora tiene un ritmo mucho más ágil y una cohesión, que aún falla, pero que resulta mucho más comprensible.

 

Bibliografía

Fischer-Lichte, Erika. 2004. Estética de lo performativo. ABADA Editores: Madrid.

Larios, Shaday. 2010. Escenarios Post-catástrofe: Filosofía escénica del desastre. Paso de Gato: México.

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